Du schéma de couleurs.
Ceux qui ont l’habitude de trainer dans l’étrange section qu’est celle réservée au modélisme ont dû remarque un jour ou l’autre l’un de mes posts.
Or a posteriori je me rends compte qu’une expression sort toujours de mon clavier « schéma de couleurs ».
Mais qu’est-ce donc ?
Que se cache sous ce mot barbare ?
Eh bien, à mon humble avis, cela cache la notion la plus importante pour un peintre. En effet, quel que soit votre bagage technique, si vous ne savez pas maîtriser votre schéma de couleur, votre figurine sera baisée.
La notion est cependant délicate, car dépend beaucoup des affinités de chacun. Cependant, il existe un certain nombre de règles empiriques permettant d’établir un bon schéma de couleur. Cela ne veux pas dire qu’elles marchent pour tous les sujets, ni que les transgresser vous maudira, non, mais elles ont le mérite d’être un tronc d’arbre pour le peintre perdu dans l’océan déchaîné de sa créativité.
Bon, il commence à être temps d’entrer dans le vif du sujet…
Quand quelqu’un regarde une figurine d’un coup d’œil, il retiendra principalement comment les couleurs sont agencées entre elles, et formera une bonne partie de son opinion sur cet agencement. L’efficacité de vos couleurs et l’élégance avec laquelle vous les mariez garantissent le succès visuel de votre pièce, et donc l’impression générale qu’elle dégagera chez l’observateur. Cet agencement s’appelle…
Le schéma de couleurs.
Les quelques règles qui peuvent vous guider…
-L’héraldique.
Directement héritées du moyen-âge, les règles de l’héraldique sont valables pour une figurine. Celles-ci séparent les couleurs en deux familles : les émaux (rouge, bleu, violet…) et les métaux (blanc, jaune) et stipulent qu’on ne peut mettre côte à côte deux couleurs de la même famille. Ainsi un certain contraste est assuré, délimitant bien les diverses parties de la figurine. Voici donc la première notion essentielle : le contraste.
Or qui pense contraste, pense immanquablement :
-chaud et froid.
On peut séparer les couleurs en deux autres familles : les couleurs dites chaudes (rouge, jaune…) et les couleurs froides (bleu, vert…). De manière générale, il faut essayer de donner une dominante à votre figurine, soit chaude soit froide. La présence de petits détails de l’autre « température de couleur » apporte un contraste intéressant. Mélanger équitablement les deux est en général plus délicat. Une autre idée est de partir, par exemple, de couleurs de plus en plus froides à mesure que l’on descend de la tête aux pieds.
Mais aussi :
-naturel et artificiel.
Certaines couleurs sont naturelles (vert, marron…) et d’autres paraissent artificielles, ou mécanique (métalliques, fluos…) Il peut alors être intéressant de jouer sur ce contraste de couleurs pour construire votre schéma, toujours en s’aidant de l’héraldique.
-nombre de couleurs.
Il est important de savoir combien il y aura de couleurs dans votre schéma. Je parle de teintes générales, incluant leurs divers dégradés.
*1 : le monochrome. C’est souvent très efficace. On utilise une seule couleur de base dont on fait subtilement varier les nuances. Ca marche très bien sur tout ce qui est mystique ou extra-terrestre, car assez éloigné de ce que l’on connaît. Un lining maîtrisé est alors indispensable.
*2 : Les figs bicolores sont assez particulière, et il faut pleinement jouer la carte du contraste, en choisissant deux couleurs assez différentes, une chaude et une froide par exemple. C’est en général un défi mais cela peut s’avérer payant.
*3 : Certains disent qu’une fig ne peut pas paraître réaliste à l’œil avec moins de teintes. Je n’en suis pas convaincu, mais on peut constater que beaucoup de schémas fonctionnent en trois teintes. Par exemple une couleur pour la peau, une pour les habits, une pour les pièces d’armure. Ou deux pour les habits, et une autre pour les détails.
*plus… Plus le nombre de couleurs augmente, et plus votre figurine paraitra fouillie. Elle peut paraître aussi de plus en plus riche, comme ce que l’on voit chez Rackham, mais alors il faut que les teintes soient fondues les unes dans les autres, se répondant les unes les autres, et ne formant au final qu’une seule gamme de couleurs. Par contre multiplier les couleurs sans les faire jouer les unes avec les autres donne généralement un résultat clownesque et illisible.
On touche alors à la :
-notion d’homogénéité.
Cette troisième notion fondamentale est peut-être la plus importante. Il faut que votre figurine paraisse homogène. Ainsi, quel que soit le nombre de couleurs choisies et la façon dont vous voulez les agencer, il faudra toujours garder à l’idée que votre figurine se doit d’être homogène. Il faut parfois sacrifier le réalisme à l’esthétique. Ainsi il est fortement déconseillé de multiplier les couleurs pour différentes zones semblables. Ainsi il est préférable de peindre toutes les gemmes d’une fig de la même couleur.
Mais surtout, il faut traiter toutes les couleurs de la figurine de la même façon, utiliser partout les mêmes techniques de dégradés, et si possible ombre et éclairer les parties avec les mêmes couleurs, pour qu’elles se fondent harmonieusement les unes avec les autres.
Enfin il ne faut pas oublier de
-guider le regard.
Il est intéressant de forcer l’œil du public à aller sur une partie précise de la fig, généralement la tête, en la faisant ressortir par contraste, ou en l’éclaircissant un peu plus, sans trahir l’homogénéité de la pièce. Mettre une touche de chaleur au milieu d’une fig froide est assez ultime.
Ah oui, un dernier truc : proscrire les détails inutiles cassant le schéma.
Si vous avez de petits détails de fin de fig à peindre, essayez de les faire dans une couleur déjà utilisée, ou au moins de vous rapprocher de la teinte générale de la fig. Evitez sur ce genre de choses de trop gros contrastes, pour ne pas ammener l’œil de l’observaeur d’un bout à l’autre, et ainsi de le perdre.
Car le plus important reste de capter l’œil de l’observateur et de l’empêcher de quitter la pièce où vous l’avez emmené…
En résumé : contraste, restriction des teintes, homogénéité, captage du regard.